Мои первые впечатления о школе.
(Воспоминания).
Пользуясь случаем, хочется поделиться воспоминаниями. Самые яркие впечатления о прошедших годах моего счастливого детства, прежде всего, конечно же, связаны с моей любимой художественной школой. Я всем всегда об этом стараюсь сказать. Я пришла в «художку» в 1982 году, тогда мне было 12 лет. После просмотра меня определили в класс Владимира Александровича Курбатова и Алексея Семеновича Гребнева. Мне показалось, что во мне углядели скромный талант, и, конечно же, это первое признание меня очень воодушевило. Я почувствовала, что художка становится моим родным домом. Причины? Я думаю, одной из самых главных причин является то, что с раннего детства моя личность формировалась вокруг искусства как вокруг стержня. В этом решающую роль сыграло влияние моего отца Виля Султановича Ахметова, участника республиканских, региональных и всесоюзных выставок самодеятельного творчества. Для меня до сих пор он — живой носитель высокой нравственной атмосферы служения изобразительному искусству, которое имело для него приоритетное значение. «Присутствие» искусства всегда определяло домашнюю атмосферу нашей семьи. Точно таким же воздухом дышалось в художественной школе. Выбор был сделан правильно. Потому что в этой школе я попадала в атмосферу духовности. Помните, как у М. Горького великолепно сказано, что в человеке духовном нет зависти, а лишь любопытство. Желание любопытствовать, а точнее желание быть личностью развивали в школе. Это мне очень импонировало. Возможность прикосновения к богатству мировой художественной культуры постепенно воспитывало в нас, юных художниках, как мне кажется теперь, желание и умение видеть проявления красоты и неповторимости нашей жизни. В первую очередь это заслуга внимательных к нам, детям, преподавателей, умело знакомящих нас с трудной азбукой изобразительного языка. И я с замиранием детского сердца завидовала тем, кто понимал ее лучше, чем я.
Поэтому для меня еще в далеком детстве художка стала настоящим Явлением.
Главное богатство школы – ее преподавательский состав.
Художественная школа живет достижениями своих маленьких воспитанников. Все мы также знаем, что достижений у нашей художки грандиозное множество. Она является одной из 100 лучших подобных заведений во всей необъятной России! Во мне нет нужды раскрывать секреты профессиональных преподавательских навыков, потому что данное издание знакомит с авторскими разработками по преподаванию того или иного предмета. Ясно то, что юный художник работает наощупь, как душе угодно, каждый из них талантлив и самобытен. Глядя на его работы, кажется, что он идет вслепую, наугад, открывая для себя способы передать все, что просится быть запечатленным. Вот тут-то и включается в учебный процесс преподаватель, чуткость которого проявляется в понимании того, как помочь дарованию раскрыться, в стремлении вскрыть неповторимое своеобразие каждого юного творца. А чтобы понять замысел пусть даже самого юного художника, надо быть самому Художником, самому уметь воспроизводить свое отношение к жизни.
В становлении Детской художественной школы города приняли самое активное участие художники, имена которых сегодня звучат почти как легенда. Хотелось бы вспомнить всем вместе об их творческих кредо.
Алимет Мирзоевич Сафаралиев
– уроженец г. Дербента Дагестанской АССР, художественное образование получил на графическом факультете Ленинградского педагогического института им. А. И. Герцена, где природный талант художника прошел профессиональную подготовку. В 1968 г., по окончании института, А. М. Сафаралиев приезжает в наш город, постоянно участвуя в выставках произведений башкирских художников, начинает преподавательскую деятельность в Стерлитамасккой художественной школе. С 1978 г. становится участником одной из двух ежегодных специализированных творческих групп акварелистов Союза художников СССР, сформированных из ведущих акварелистов страны. Подобная практика была начата СХ еще в середине шестидесятых. География творческих маршрутов была чрезвычайно разнообразна, она охватывает всю территорию Союза от Дальнего Востока до Прикарпатья и Прибалтики. Каждая группа работала по плану, который включал посещение грандиозных строек, передовых предприятий и совхозов, крупнейших городов и памятников национальной культуры. Но Сафаралиев больше – певец, поющий о красотах природы. Окончание командировки знаменовала выставка – отчет в столичном городе. А. Сафаралиев оставил нам свои художественные впечатления от поездок по Закарпатью (1978г.), Северному Кавказу (1980г.), Северной Осетии (1981г.), Туркмении (1982г.), Армении (1983г.), Заполярью (1985г.) и родному Дагестану (1986г.). С 1984г. Алимет Сафаралиев принимает участие во Всесоюзных выставках акварелистов в г. Ленинграде, в 1985г. он становится членом Союза художников СССР.
В мои годы учебы в художественной школе, здание которой находилось тогда по ул. Худайбердина, нас встречали две великолепные акварели, исполненные кистью А. М. Сафаралиева. Они висели рядом с кабинетом директора. Написанные «по-сырому», пейзажные образы эмоционально портретировали излюбленные автором места здешней природы. Ежедневная встреча с ними не стирала ощущения светлой радости, я всегда с искренним удовольствием бросала на них свой пытливый взгляд. Я словно встречалась с друзьями. А ведь Сафаралиев так и говорил, что «настоящие твои друзья – это твои работы. Они никогда не подведут». Писать акварелью подобным образом мечталось.
Акварельную стилистику А. Сафаралиева не спутать ни с чьей другой. Солнечный человек до мозга костей, художник видел мир в таких монументальных соотношениях, в каких чувствовали мир язычники – солнце, небо, горные телеса в складках, землю, деревья, одним словом соотношения стихий. Поэтому ему так удавалось изобразить мощь, величие и спокойствие Земли. Величественная неподвижность ландшафтов обретает в акварелях Сафаралиева скрытую динамику, а пейзажи – романтическую направленность в понимании жизни природы. Программно художник посредством пластики и композиционных решений добивался передачи благоговейности пантеистического чувства, что он испытывает перед монументальностью изображаемых форм. Величие природы оказывается лишь незримым прообразом незримого величия человеческой души. Его души.
А. Сафаралиев оставил яркий след в художественном процессе города, потому что мы о нем вспоминаем как о замечательном художнике, не только пробудившем в нас неподдельный интерес к акварели, но и положившем начало традициям освоения акварельного искусства в городе.
Валентина Георгиевна Кузнецова
– родилась в 1949г. в знаменитом с. Воскресенское Мелеузовского района БАССР. В 1968 г. окончила художественное отделение УУИ, в 1975г. – заочное отделение факультета теории и истории искусства Ленинградского государственного академического института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина. С 1968 – 1979гг. преподавала в СХШ. Сегодня живет и работает в г. Москве. Керамист. Член Союза художников СССР, РФ и РБ с 1983г. Награждена Почетной грамотой башкирского ОК ВЛКСМ (1982г.), нагрудным знаком ВЦСПС «За достижения в самодеятельном искусстве». Пока работала в СХШ, приняла участие в следующих выставках: 1977 – республиканская, г. Уфа, затем совместно с А. Сафаралиевым и М. Кузнецовым в г. Стерлитамаке, 1979г. — «Урал социалистический», г. Тюмень, 1977г. – Всероссийская выставка «60 лет Великого октября», а в следующем году – выставка «Молодые художники России», г. Москва, а также молодежная секция проводила подобные выставки «Посвященная 60-летию Великого октября» и «Молодая гвардия страны Советов».
Ровно пять лет назад на ретроспективной выставке, проходившей в городской картинной галерее, были выставлены работы учащихся художки за 35 лет ее деятельности. Была выставлена также и моя работа, и композиции С. Лебедянцева, Р. Нагаева, С. Махмутова и др. Среди прочих встретилась давняя работа ученика Валентины Георгиевны Кузнецовой «Ледовое побоище». Она мне запомнилась очень. Я как-то сразу обратила на нее свое внимание, и, увидев фамилию руководителя, отдала дань уважения В. Г. Кузнецовой как преподавателю. Несмотря на то, что изобразительный почерк был детским, я почувствовала живое дыхание того исторического момента. Композиция выгодно выделялась среди остальных грамотной компоновкой персонажей – русских богатырей, тем, что создавалось искусно организованное, ритмически оправданное пространство, показывающее коллективное напряжение, энергетическую взаимосвязанность между воинами-рыцарями на бранном поле. В этой экспрессии суть композиции, несущей духовную прочность, мощь и жизнеутверждающую победную силу народной воли. Это великолепная работа, хранящаяся сегодня в методическом фонде школы.
В октябре 2005 года Валентина Георгиевна приезжала в Стерлитамак. Татьяна Морозова сделала интереснейший репортаж о посещении В. Кузнецовой художественных школ и проведенных мастер-классах для ребят в статье «Включите воздух в творческий процесс». Сегодня Валентина Георгиевна практически курирует керамический класс ДХШ № 2, благодаря ей, по словам преподавателей, у керамистов школы заметные успехи в учебном процессе и, соответственно, различные награды на региональных и республиканских конкурсах.
Одна из магических тайн воздействия изобразительного искусства на зрителя заключена в организации пространства. Формы объемной пластики, то есть скульптуры, создают вокруг себя осязательное пространство, облегчающее, как мне кажется, для нашего восприятия его понимание. Поэтому про талантливого скульптора, оперирующего объемным пространством, говорят, что он способен воспроизводить атмосферу движения, чувства, передавая это через сами формы.
То же можно сказать про В. Г. Кузнецову. Ее искусство – это тоже тайна. Хотя, в сущности, тут во всем много от простой жизни, от самого простого быта. Целомудренные фигурки влюбленных. Добрые зверушки, сказочные певчие птицы. Все это персонажи нашей с Вами Истории, но Истории, которая повторяется уже не в этом мире, а происходит с нами в Райском саду. И потому Мы предстаем в «одеждах» благородного наива, обрамленного русской народной поэтикой.Наверное, не случаен в наш абстрагированный от природно-человеческого, техно- и кибернетический век живейший интерес к старинному народному творчеству.
Мне кажется, что многие произведения Валентины Кузнецовой посвящены теме тишины, это — философская и художественная доминанта ее творчества. И глубочайшая, по сути, божественная тайна этих образов заключена в том, что эта всеобъемлющая тишина несет в себе идею вечности, подлинной жизни – жизни вне времени. Именно этой таинственной вечностью, вечной жизнью дышат ее работы.
Михаил Иванович Кузнецов
– родился в 1946г. д. Ново-Курманаево в Татарии, художественное образование получил в Художественном училище им. Н. И. Фешина г. Казани, с 1971-1992гг жил и работал в г. Стерлитамак, преподавал в ДХШ. С 1978 года ряд лет работает в творческих группах художников-графиков в доме творчества «Челюскинская». После 1992г. уехал в Татарию. Занимался акварельной техникой. Принимал участие в таких выставках, как «Урал социалистический» в г. Тюмени, в г. Москве «Советская Россия-6», «По родной стране», «40 лет Челюскинской», выставки акварели в городах Черкесск и Ленинград. Приезжал в г. Стерлитамак со своей выставкой в 2001г.
Про работы 2001года, выставленные М. Кузнецовым на своей персональной выставке в Стерлитамакской картинной галерее, Председатель Ассоциации художников Юга РБ при РО ВТОО «Союз художников России» РБ, Заслуженный художник России, лауреат Гос. премии им. С. Юлаева К. Г. Губайдуллин говорил так: «Когда я увидел эту серию картин, у меня возникло впечатление, что передо мной литография — настолько удачен белый цвет и лаконичны работы. Художник не ставит задачу создать драму, в его полотнах заключена сама бытийность в ее легкости и глубокой осмысленности. И это создает ощущение праздника. Словно существует некая закономерность: чем труднее мастеру кисти в жизни, тем светлее и лиричнее он старается создавать свои холсты, доставляя людям радость. Я не знаю художника более оптимистичного».
Не могу ничего сказать про стиль художника до того момента, как познакомилась с ним и его «картинками» на выставке в нашем зале. Но говорят, что он резко поменялся. Прочувствовав пустынность жизни после потери сына, М. Кузнецов изменил отношение и к жизни, и к своему творчеству. Огромное влияние на смену позиций оказали годы преподавания в детской художественной школе, встречи с любознательным и чистым детским восприятием. По-детски непосредственный рисунок М. Кузнецова заявляет о позиции художника, о желании превратить наш мир в детский рай, где взрослым, как правило, все кажется банальным, а на самом деле каждое мгновение наполнено встречей с Чистотой, Радостью и Счастьем.
Сергей Геннадьевич Кочетков
— родился в 1947 году в г. Шуе Ивановской области. В 1972 г. окончил отделение художественного конструирования художественного училища в г. Иваново. С 1973 г. жил в г. Стерлитамаке, преподавал в Стерлитамасккой ДХШ. Был членом молодежного объединения при СХ СССР.
Художник выставлялся во Всесоюзных экспозициях, таких как «Молодость страны» и «Земля и люди», проходившие в г. Москве в 1972 году, с 1973 года принимал участие во всех Республиканских выставках. Затем это «Урал социалистический» 1979 года – зональная выставка проходила в г. Тюмени, московская выставка «Художники автономных республик, областей и национальных округов РСФСР», проходившая в 1989, «Южный Урал» в г. Челябинске и т. д. Наиболее запоминающимися работами стали «Россияночка», «Портрет дочери», «Художник. Памяти Алимета Сафаралиева», «Старик», «Старые сады осенью».
Недавно в городской картинной галерее проходила традиционная и уже 10-ая Региональная выставка художников южного региона Республики. Художники и городская интеллигенция в день открытия выставки вспоминали об ушедших товарищах по цеху, которых нет с нами, но отсутствие которых замечаешь. Вспоминали об ушедшем несколько лет назад Сергее Геннадиевиче Кочеткове – оригинальном художнике, члене Союза художников России, вокруг которого объединились акварелисты, сегодня работающие в содружестве «Радуга». В этом году ему исполнилось бы 60 лет. Я прекрасно помню, как однажды, когда в открывшейся уже городской галерее экспонировалась выставка, привезенная из Воскресенского села, где в годы войны жили эвакуированные из Москвы талантливые дети, обучавшиеся в средней художественной школе при Суриковском художественном институте, Сергей Геннадьевич пришел вместе со своими подопечными. На выставке были выставлены миниатюрные рисунки, выполненные с натуры, с видами лубяных покосившихся хибарок села Воскресенское в тяжелые военные годы. Кочетков обращал внимание именно на них, на их живейшее исполнение. Ему не нужно было никаких особо ученых толкований для объяснения этого искреннего искусства, полного веры и целомудренного чувства патриотизма, он говорил с искренностью человека, простого умом и сердцем, о том, перед чем преклонялся, о том, во что действительно верил. «Сколько жизни заключено в этих маленьких рисунках. Как так просто, карандашиком, можно воспроизвести ощущение одиночества людского, запущенности старой деревеньки и одновременно ощущение согретости и уюта, которое испытывают эти юные художники? Эмоциональная рука, ведущая карандаш по клочку бумаги, сумела воспроизвести воспринятые традиции великой русской реалистической школы, воспевающие любовь к родной земле». Кочетков это очень хорошо чувствовал и восторгался этим. В нем присутствовала культура настоящего художника, внимательного наблюдателя повседневности и её закономерностей. Уверена, многие, кто знал и общался с С. Кочетковым, – коллеги, ученики, друзья – любили и ценили его именно за это.
С. Кочетков был из тех людей, которые способны создавать творческую ауру, атмосферу изобразительной культуры вокруг себя. И это очень логично, что возле него образовалась группа молодых художников, работающих в сложной, тонкой и такой неповторимой технике акварели. В нашем городе, все мы также помним, в предыдущие десятилетия сложились яркие традиции акварельной живописи, связанные с творчеством А. Сафаралиева и М. Кузнецова. В этом процессе активно участвовал и Сергей Геннадьевич. Сегодня акварели художника имеются в собрании городского краеведческого музея, Стерлитамакской картинной галереи, музея имени М. В. Нестерова, многих наших горожан. В январе 2004 года в городском выставочном зале состоялась выставка акварелистов содружества «Радуга», на которой были выставлены также лучшие акварели внезапно ушедшего художника.
«Акварель – это вода, краски и душа художника» — так любил говорить Сергей Геннадьевич Кочетков. Акварелисты «Радуги» разделили пристрастия, последовали за своим первым художественным руководителем. С дугой стороны, изначальная свежесть и непосредственность, присущая акварели, позволяет художникам сохранять свое лицо. Сегодня уверенно работает в своем собственном стиле Сергей Герасимов, взявший на себя ответственность быть художественным руководителем группы. В этом году Сергей стал членом Союза художников России. Ольга и Елена Литвиненко растут на глазах. Правление Ассоциации художников Юга РБ решило выдвинуть их кандидатуры для вступления в СХ. По-прежнему, традиционно акварелисты много ездят, выставляются, и география поездок расширяется. Таким образом, можно говорить о продолжении традиций акварельной живописи. Немало для этого сделал и С. Г. Кочетков.
Дмитрий Павлович Кузнецов
Наш строгий и одновременно очень душевный преподаватель по истории изобразительного искусства. Я любила эти занятия, на которых Дмитрий Павлович учил нас «включать магнитофончик» памяти. Это значило, что нужно было учиться не только внимательно вслушиваться в слова лекции, но, главное, уметь фокусировать внимание на визуальных образах, с которыми знакомил нас лектор. Действительно, любовь к любой науке во многом зависит от искусства первого учителя. Для меня, в моей памяти, Дмитрий Павлович Кузнецов, к сожалению, уже ушедший, навсегда останется как образ преподавателя первооснов всей европейской гуманистической культуры. Навсегда в моей памяти останется его рубенсовский романтический типаж с вьющейся седоватой шевелюрой и мушкетерской бородкой. Все в его внешности говорило об артистической натуре. Также артистично Дмитрий Павлович на наших занятиях рассказывал о КРАСОТЕ. Его лекция — это бурное изречение настоящей поэмы об изучаемом на уроке предмете. Лично для меня это были уроки, на которых я слушала необыкновенные сказки. А что милее всего детскому сердцу? Конечно же, добрая красивая сказка. Дмитрий Павлович умел создать психологическое единство с детской аудиторией, умел заинтересовать. Тайны древней египетской культуры, патетика замкнутой формы египетской скульптуры с захватывающим чувством высокой, нездешней и вечной красоты, и рожденная на ее основе греческая античность с классическими формами, возвеличивающими земную красоту героического человека. Все эти беседы сопровождались выдержками из мифов и легенд, которые с актерским артистизмом рассказывал Дмитрий Павлович. Или, к примеру, знакомил с элегантным женским миром, который раскрыли для нас столичные петербургские портретисты 18 века В. Боровиковский, Д. Левицкий в духе пасторального Рококо. Можно представить, как мне хотелось вот так же легко уметь рассуждать о том или ином образе, о той или иной человеческой эпохе, которая оставила шедевры необыкновенной красоты. Именно поэтому я с необыкновенной серьезностью готовилась к выпускным экзаменам, в том числе и по предмету «История отечественного и зарубежного изобразительного искусства». Помню, что даже моя мама ходила в общеобразовательную школу и просила у классного руководителя нашего 10 «А» Скрипник Н. М. моего освобождения от посещения школьных уроков из-за экзаменационной сессии в художественной школе. Все для меня было так серьезно! В это время я все дни напролет проводила в читальном зале библиотеки по изобразительному искусству. В итоге на экзамене у Дмитрия Павловича мне достались вопросы по творчеству наиболее любимых тогда художников – я рассказывала про Диего Веласкеса и про Михаила Врубеля. Я сдала экзамен на «отлично» и ощутила огромную гордость. Я думаю, что встреча с Д. П. Кузнецовым сыграла немаловажную роль в моей жизни при выборе моей профессии, при выборе моего жизненного пути.
Алексей Семенович Гребнев
— родился в 1952 году в д. Львовка Федоровского района БАССР. В 1976 году окончил отделение живописи художественного училища в Казани. Живет и работает в Стерлитамаке, преподает в Стерлитамакской ДХШ. Участник многих выставок. Почетный член Академии искусств г. Пизы (Италия). Живописец. Член Союза художников России с 1996 г. Лауреат Республиканской премии им. А. Кузнецова, Заслуженный работник культуры РБ.
Алексей Семенович, как и многие другие его коллеги, посвятил себя воспитанию детей в художественной школе. Я была одной из его благодарных учениц. Я никогда не забуду на занятиях по композиции наши беседы о творчестве гениев живописи Михаила Врубеля, Пабло Пикассо, Гогена, Поля Сезанна, Винсента Ван Гога, как я сейчас понимаю, его духовных друзей и вдохновителей. Соответственно, и мы — его ученики – ощутили, насколько могли понять, художественные достоинства творений богов Новой живописи. Правда, для многих современные формы изобразительного искусства остаются либо недосягаемыми для разума, либо, напротив, единственным источником восторженного восприятия. Но, к сожалению, многими упускается из виду то, что современное искусство должно рассматриваться в ракурсе классических художественных традиций.
Наследие выше перечисленных имен, наверняка, было отправной точкой и в сознательном творчестве А. Гребнева. Всегда остается в памяти и тот факт, что формирование его творческого почерка проходило в стенах Казанского художественного училища, где устоялись традиции фешинского импрессионизма. И это, конечно же, не могло пройти для А. Гребнева бесследно. «Фешинский мазок» и декоративная фактура живописи с элементами стилистики модерна оказывали, как правило, гипнотическое действие на многих молодых художников. Поэтому приоритеты художник отдает именно анализу живописи как таковой, живописному мастерству. Краска, цвет, цветовые отношения – его инструменты для создания ярко выраженных эмоциональных конструкций. Ощущение жизни как вечная импровизация человеческой природы по поводу идеи единящей женственности, а живописи как пути его воспроизведения, остается доминантой творческого пути Гребнева и по сегодняшний день. В конце 90-х, по-моему, стилистическая манера художника меняется. Если до этого момента сюжет подтверждался живописной разработкой холста, и это был, как правило, драматический сюжет, который рассматривался, если я не ошибаюсь, цветовой игрой локальных пятен, то теперь живописная материя, пластические намеки, фактура, жизнь отдельного мазка обретают собственное значение, независимое от сюжета. Аналитический метод построения пространства на основе тончайших нюансов цветовых и световых отношений рождает благородную торжественную живопись, где каждый мазок имеет свою архитектонику, свой потаенный скрытый смысл. Цветовая гамма становится изысканнее, все в живописи работает только на живопись. И все это служит подтверждению того, что отголоски той всеобъемлющей женственности, что царит в мире, приобретают здесь совсем другое значение. Программным результатом становится завуалированность и таинственность образной структуры изобразительной плоскости, где повествование оказывается важнее содержания. Почти неуловимые перемены женского настроения, бесплотные мысли, прелесть природы, дарящей нашим глазам радость познания чистых цветов, причудливая странность эротических воспоминаний – у нарисованных женских персонажей нет индивидуальности, потому что все они — это идеализированные модели для познания такой неоднозначной и многогранной действительности.
Несомненно, А. С. Гребнев занимают свою нишу в художественном процессе республики. Яркий артистизм, глубоко профессиональные качества его живописи послужили посылом для приобретения произведений художникав собрание БГХМ им. М. В. Нестерова, Министерства культуры РБ, Стерлитамакской картинной галереи, зарубежные коллекции.
Бесспорно, личность А. С. Гребнева своим творчеством влияет на культурный процесс в городе, на воспитание художественного вкуса наших горожан.
Наиль Гайнанович Вагапов
— родился в 1956 г. в г. Ташкенте. В 1983 г. окончил заочный народный университет искусств им. Н. К. Крупской в г. Москве. В 1990 г. окончил Свердловский архитектурный институт по специальности «Промышленное искусство». За годы учебы в институте принимал активное участие в выставках в Свердловске. С 1980г. живет и работает в Стерлитамаке. Преподавал в Стерлитамакской ДХШ. График, дизайнер. Член СХ России с 1991г.
Если в начале творческого пути небольшие офорты Н. Г. Вагапова казались безмятежными, то на следующем этапе творчества в его графических листах все настойчивее прорывается тревога. Порой она становится не просто болью за утрату всего теплого и человеческого в той жизни, что нас окружает, но звучит прямым и уже грозным предупреждением катастроф не мелочных, а глобальных, что всего очевидней проявляется, пожалуй, в пространственных решениях графических листов. Преднамеренно «чертежная» разбивка листа на конфигурально одинаковые объемы, создающая образы запрограммированных лабиринтов, планирование геометризованного пространства, использование монотонности и контрастности линейных характеристик, вещающих нам о возникающей в этом пространстве закономерной инфантильности. Графическая линия программно несет драматическую нагрузку. От листа к листу пространство кажется все более неустойчивым, оно коренится, рушится, сжимается, ведет себя как гибнущая материя. Образы – это озвученные проблемы по поводу экологии наших взаимоотношений друг с другом, с окружающей природой, с материальными и нематериальными ценностями. Творчество Наиля Вагапова социально оправдано, востребовано. Оно будет наиболее понятно нам и наиболее адекватно нашим мыслям до тех пор, пока наше с вами чувство социальной ответственности не будет удовлетворенным до конца.
Сергей Николаевич Лебедянцев
— родился в 1962 году. В 1982 г. окончил художественно-оформительское отделение художественного училища в г. Краснотурьинске Свердловской обл. С 1983 г. живет и работает в Стерлитамаке, преподает в Стерлитамакской ДХШ. В 1995 г. был стипендиатом Министерства Культуры РФ. Участник многих выставок. Живописец. Член Союза художников России с 1995 г.
Если для А. Гребнева творческая позиция — это элегическое мироощущение, основанное на живописных традициях импрессионизма и постимпрессионизма, то, для более молодого, С. Лебедянцева стилевым ориентиром для воплощения творческих мыслей стали еще более раскрепощенные художественные формы Западной Европы послевоенных 50-е гг. ХХ столетия с их программной установкой на изменение художественных стереотипов тоталитарного сознания. В выставочном зале только что открывшейся Стерлитамакской картинной галереи с успехом прошла «Информель» — выставка современного искусства башкирских художников, в которой Сергей принял участие наряду с А. Гребневым и известными уфимцами Р. Гаитовым, Н. Калинушкиным, В. Лобановым, А. Терегуловым, Р. Ахметвалиевым. Акцент экспонентов делался как раз на абстрактный экспрессионизм. Художники видели свою задачу в том, чтобы вновь возродить величие опровинциалившейся культуры через жесткий максимализм и сверхсовременные идеи художественного сознания. Таким они видели путь к освобождению от зацепенелых академических устоев, доставшихся от советской эпохи. Пафос их новаций тогда прозвучал как социальный пафос.
С тех пор многое изменилось. Авангардная пластика автора «Мелодии для Овнов», «Мелодии для Близнецов» стала меняться. Обычно к созданию собственного стиля или новой тенденции в творчестве художник подходит через несколько этапов, можно сказать, постепенно. В этом видится непреклонный и сосредоточенный путь художника ксобственной индивидуальности. Своим путем идет и С. Лебедянцев, по признанию которого ему особо импонирует творчество В. Кандинского и Ф. Леже. По инерции и хочется сравнивать с полистилизмом Кандинского, ведь у Сергея Николаевича открывается то одна, то другая сторона той художественной массы, что составляет визуальную и философскую информацию его художественного языка. То это ярый абстракционизм, то наивная сказка, то сюжеты в экспрессионистических одеждах, то интеллектуальный или символический натюрморт. Художественное качество живописного профессионализма С. Лебедянцеваимеет высокий уровень. Живопись грамотна и профессиональна, но лишь в той степени, в какой может быть грамотно и профессионально современное изобразительное искусство, лишенное классической цельности чувствования и понимания гармонического порядка мира. Таково сегодняшнее время, таково современное поэтическое пространство. Любой современный художник волей неволей подчинен их законам. Творчество С. Лебедянцева, уверенно занявшего свою нишу в художественном процессе республики, всегда радует и удивляет нашего зрителя. Мы с нетерпением ждем ретроспективную персональную выставку художника.
Рафаэль Гареевич Кираев
— родился в 1956 году в г. Стерлитамаке. В 1981 г. окончил отделение живописи художественного училища в Йошкар-Оле. С 1982г. живет в г. Стерлитамаке, преподает в Стерлитамакской ДХШ. Принимает участие в различных выставках. Живописец. Член Союза художников России с 1996г. Награжден Почетной грамотой СХ РБ за творческие успехи (1999г.).
В ретроспективе художественных работ данного автора можно уловить кардинальное изменение изобразительной формы и темы. Сегодня, в эпоху постмодернизма, когда тонкие до бесплотности стилизации превращают образ автора в некую тень, очень важно хоть одним штрихом обозначить его ключевые черты.
Картины Рафаэля Кираева написаны в современных ритмах и современным языком. Направление мысли художника скользит по плоскости философских изысканий пионеров «новостилей» ХХ века. Но вместе с тем в художественных образах, несмотря на уже привычность этих «новостилей», отображается личность автора. Характерное качество Р. Кираева как художника – делать искусство живописи на грани между высокой экстравагантной модой на форму и подлинностью личностных переживаний. Это рождает многостильность в творчестве художника и ломает стереотип об авторстве индивидуального художественного языка. В данном случае это и есть голубая мечта зрителя — ощутить подлинность и живую искру поэтического дыхания, нескрываемое художником удовольствие от собственных открытий, сделанных посредством стилизации пусть модной, но все-таки уже привычной для нас формы.
Это качество художественного ума Р. Кираева подтверждено динамическим ритмом смены стилистики предлагаемого видеоряда. Спокойствие, умиротворенность эротических, трогательных и целомудренных женских образов с благородным и элегантным привкусом наива с использованием пастельных колористических приемов, сообщающих почти бесплотным телам-видениям томное состояние неги, сменяются абстрактными композициями с ярко выраженной экспрессией цвета и линии, рассказывающие нам об энергетике взаимодействий. В коллекции художника имеются и по-народному плоскостные орнаментальные композиции, и декоративный интерьер.
У Р. Кираева картина предлагает не только изящную игру с собственными чувствами, его картина всегда предлагает красивый и элегантный финал этой игры.
Раис Миниярович Хуснутдинов
— родился в 19…г. в г. Стерлитамаке. Окончил отделение живописи художественного училища в г. Уфе, преподаватель Детской художественной школы № 1 г. Стерлитамака. Живописец. Член Союза художников с 2007 г. Участник персональных, групповых, городских, региональных, республиканских, всероссийских выставок.
Раис Хуснутдинов давно нашел свою тему, жанр и, соответственно, стилистику. Уже много лет художник выступает на выставках с композициями, изображающими женские образы. Женщина традиционно выступает в изобразительном искусстве как символ жизни, культуры, мира. В своем творчестве Р. Хуснутдинов продолжает классические традиции башкирской живописной школы, пробует себя в психологическом портрете, но фактом остается то, что ему больше по нраву создавать сюжетные композиции-притчи с размышлениями о бесконечности мира и быстроте человеческой жизни, о вневременном, вечном господстве Красоты. В творчестве художника женщина выступает как хранительница народных традиций, как символ бессмертия народной души. Как-то очень просто художнику удается достичь глубокого обобщения. Созданные им сюжеты прочитываешь как главную книгу жизни, книгу добрых человеческих отношений, где абсолютным «инициатором» доброты выступает женщина. «Вечные» темы представленных полотен подтверждают связь с народной культурой, выводя национальное на уровень общечеловеческого.Созданные камерные образы всегда приобретают у художника мистический, даже сакральный характер.
Визуально прочитать образ помогает стиль, авторская манера письма. Особенности его стиля – обобщенный рисунок, четкость контуров, плоскостность изображения, скромный колорит, что свойственно стилистике, связанной с народной эстетикой, с народным наивом. Для композиций присущи простота, ясность и, как правило, гармоничное спокойствие, которые создают мягкую мелодичность пространства. Во всем этом присутствует мудрая изысканность. Художник дарит нам свое мудрое, доброе, красивое искусство. И его потенциал еще не исчерпан.
Недавно Раис Миниярович вступил в Союз художников, а, значит, для него открылись дальнейшие горизонты для постижения тайн своего творчества.
В сегодняшней художке работают и молодые ребята. Ярким представителем молодого поколения является
Гузель Тимербековна Мухамедьярова
— родилась в 1978 году в г. Стерлитамаке, в 2000 г. окончила художественно-графический факультете Башкирского Государственного Педагогического Университета. Дипломную работу выполнила в технике нетканого гобелена (дип. рук. Стратонова Л.М.) С 2001 г. работает в ДХШ №1 и ДХШ № 2 г. Стерлитамака. Учащиеся активно участвуют в городских, республиканских, международных, всероссийских выставках, занимают призовые места.
С 2001г. активно участвует в художественных выставках: IX региональная художественная выставка «Урал 2003» г. Екатеринбур,2004г. — выставка «Салавату Юлаеву 250 лет» г.Уфа, г.Москва, 2005г.- Республиканская выставка «Войлок» г.Уфа, г.Москва, Международная выставка, посвященная 60-летию Победы в ВОВ, г.Москва.
В 2003г. обучалась на ежегодном республиканском семинаре по войлоку в дер. Бурангул Абзелиловского района (организаторы — центр народного творчества в лице Кайдаловой Каримы Шариповны и ХГФ Башгоспедуниверситета – Массалимова Талгата Хасановича. Стала творчески работать в технике валяние (войлок). В данное время осваивает аппликативный войлок.
В 2006г. вступила в Союз художников России. В 2006г. присудили стипендию Министерства Культуры РФ.
Сегодня очень любопытно следить за творческими поисками Гузель Мухамедьяровой. «Молодая художественная лаборатория» республики на основе древних башкирских традиций валяния войлока создает произведения искусства декоративно-прикладного характера. Для современного художественного процесса Башкирии это относительно новый вид искусства. Г. Мухамедьярова работает на этой волне. Молодой художник очень внимательно и заботливо раскрывает в своей тихой, повседневной преподавательской, творческой и научной работе секреты ручного изготовления войлочного текстиля. Ее имя, конечно, еще не у всех на устах, но поступательные движения в освоении технологических тайн и некоторых собственных инноваций, а также стремительные шаги в их реализации и воспроизведении говорят сами за себя. Недавно она вступила в Союз художников России, выдвигалась на соискание премии им. Ш. Бабича.
Сегодня Г. Мухамедьярова работает в русле популяризации изготовления войлочного текстиля. Совместно с коллегой по цеху Ольгой Литвиненко было создано методическое пособие «Войлок», объясняющее возможности материала и современные способы изготовления кошмы в Башкортостане. На мой взгляд, позиция художника очень верная и необходимая. Доскональное изучение свойств материала и его технических возможностей очень важно для создания полноценного для утилитарного использования предмета.
Привлекает в творчестве Мухамедьяровой найденный ею пластический почерк. Ковылеобразная фактура струящихся и стелящихся по поверхности декоративного панно шерстяных волокон придают ручному изделию вид добротной, по-особому изысканной вещи. Фактура войлока, имеющего свою особую эстетику, активно держит изображение. От него исходит ощущение тепла, живой, экологически чистойжизненной энергии, ощущение того, что чувства бережного отношения к истории, традициям, культуре башкирского народа материализуются и становятся подлинными.
Образы, если говорить о станковых качествах панно, оправданные жизнью. В работах Мухамедьяровой всегда экономичные, простые решения. Она тратит минимум образной пластики для построения глубокомысленных предложений. «Упкын эбие (Хозяйка омута)» — образ вечного круговорота и движения нашей жизни. Персонификация неведомых и устрашающих сил природы решена просто. Замечательно умение передавать характерные черты условными формами. Только в качестве намека в виде меандра, который широко использовали башкиры для передачи связи земного с небесным, автор легко и элегантно придает жизнеутверждающий смысл данному образу. Созданные ею образы, конечно, имеют новое специфическое звучание именно благодаря тому, что озвучивание вечных общечеловеческих тем произошло в древней технике войлока. Поэтому по-новому раскрылись пространственно-временные структуры образов, на первый план проступило исконно национальное, особенности национальной психологии.
Чувствуется, что Гузель стремится к постижению уникальных национальных традиций создания войлока по принципу древних мастеров, у которых образное начало естественным образом было органически связано с вещами практического предназначения. В ее стремлении к чистоте этнического вкуса заложено желание понять истоки, истину и суть народного и национального мышления.
Людмила Иосифовна Бердникова
Невозможно в одной небольшой статье отразить вклад каждого в дело художественного воспитания наших маленьких горожан на протяжении сорока лет. Может быть, я и не права, но думаю, что преподавательские судьбы в целом похожи. И то, что я высказываю о Л. И. Бердниковой, можно сказать про всех обитателей этого славного дома, потому что просто так тут не задерживаются.
Когда я училась в художке, а Алексей Семенович Гребнев, преподносивший нашей группе основы композиции, долгое время отсутствовал по какой-то причине, к нам в класс пришла молодая педагог Людмила Иосифовна. Её стремление вместе с нами проникнуть в основные закономерности создания той или иной по воздействию композиции не остались невостребованными, напротив, увлеченная заинтересованность детской идеей, вхождение в детский причудливый мир импонирует чуткому сердцу ребенка, еще больше раскрепощает его, дает свободу полету мыслей. И сегодня мы вспоминаем с Людмилой Иосифовной те годы. Я помню, как проходило обсуждение работ на каждом этапе создания, ее рекомендации, которые она давала для того, чтобы работа становилась лучше, чтобы создававшийся образ имел более яркое воплощение, а значит, воздействие на зрителя. В атмосфере интеллигентной дискуссии о тех или иных способах дальнейшего развития обстоятельств на изобразительном листе воспитывалось наше художественное воображение. Своим тонким деликатным отношением, осторожными суждениями и серьезным высказыванием своего мнения о завершенности или, напротив, незавершенности композиции еще больше развивала нашу заинтересованность в работе. В свою очередь, заинтересованность в учебе заставляла обращать внимание на удавшиеся фрагменты работы, которые раскрывали ее образное содержание. Людмила Иосифовна умела найти к каждому подход, она общалась с удивительно зоркой проницательностью, с подлинной человечностью и душевным изяществом и, наверное, с ней было просто потому, что она — человек, умеющий любоваться, чувствовать красоту, понимать особые связи человека и природы, понимать магию и силу воздействия искусства.
Л. Бердникова, как и многие ее коллеги, отдала художественной школе всю свою жизнь, сохранила верность своему делу на протяжении многих лет своей деятельности. А сегодня, думаю, с удовольствием делится опытом, традициями успеха с молодым поколением преподавателей, многие из которых выпускники художки. Это Р. Нагаев, О. и Е. Литвиненко, Г. Мухамедьярова, Г. Утякаева и др. И секрет успешной деятельности заключается в том, что все наши любимые преподаватели умели и умеют ставить перед учениками самые сложные задачи, искать вместе пути решения, звать к размышлениям.
Это и есть дело всей жизни преподавателей художественной школы. Низкий Вам за это поклон!
В. А. Курбатов – носитель и продолжатель традиционной культуры российского художественного образования.
Стерлитамакская детская художественная школа у всех в Республике ассоциируется с именем Владимира Александровича Курбатова – бессменного ее руководителя. Он занялся построением системы детского художественного образования в Стерлитамаке после окончания Московского полиграфического института, включился в эту работу со всем азартом молодости и неординарностью общественного темперамента. Прежде всего, нельзя не отметить, что Владимир Саныч – необычайная личность и оригинальный мыслитель для нашего города — за сорок лет своей деятельности действительно создавший Свою Художественную Школу.Различные стороны его многолетнего плодотворного труда не раз были и еще будут предметом различных суждений и разговоров. Впрочем, нельзя не добавить, что в его биографии немало общего с теми,кто многие годы у нас в республике был связан с проблемами становления и развития детского художественного воспитания. И, думаю, все единогласно согласятся с тем, что в личности Курбатова человеческое, творческое и гражданственное переплелись нерасторжимо. Его можно охарактеризовать как человека сугубо академического склада, поглощенного своей работой, ценящего свое драгоценное время и избегающего житейской суеты, всегда торопливо спешащего к своему рабочему столу.Мне известна и такая его черта, как максимализм суждений, откровенно не принимающий детское творчество вне художественной школы. Но, подмечая своеобразный эгоцентризм личности Владимира Александровича, нельзя не видеть главного: как страстный и непримиримый борец выступает он за интересы того дела, которому служит всю свою жизнь.
Ну, а если еще серьезнее начать разговор о детской художественной образовательной системе, то необходимо сказать следующее:
Еще в 20-х годах ХХ столетия в стенах Российской Государственной Академии Художественных Наук была создана и апробирована новаторская система художественного воспитания детей и подростков, которая признала эстетическую ценность детского рисунка, ставшего существенной частью культурной жизни России, а детское искусство получило статус самостоятельного вида искусства.
В Российской ГАХН плодотворно трудились специалисты, определившие на десятилетия вперед прогрессивные направления в художественном воспитании детей. Своим главным достижением руководитель данного проекта Анатолий Васильевич Бакушинский считал выявление периодов психофизического развития ребенка, которые он выделял на основании преобладающих признаков в восприятии и освоении ребенком окружающего мира: двигательно-осязательной ориентации – для младших и зрительной ориентации – в подростковом возрасте. У детей старшего возраста он подчеркивал стремление к синтезу воли, эмоций, когда ведущей становится идея становления и развития. Ведущей идеей была свобода художественного творчества, что, однако, вовсе не означало отсутствия педагогического руководства. Обучение должно быть построено не по теме-формуле, а на творческом образе-переживании. Целью художественного воспитания (которую можно осуществить на основе художественного развития) – становится «культура творческой личности», способной «стать творцом в области избранного дела». Вслед за внимательным изучением детского творчества в России этому примеру последовала мировая художественная и научная общественность.
Проводя данные параллели, хочется заметить, что живой организм нашей художки имеет глубокую научную базу, которая наглядно подтверждает актуальность непрерывной 3-хступенчатой системы детского художественного образования. В. А. Курбатов строил свою систему, также видя в хрупком сознании ребенка продолжение и отпечаток личности. Мечта Директора художественной школы воплотилась в реальность, потому что теперь воспитанием каждой могут заниматься по трехуровневой системе 13-14 лет подряд. Курбатов и в преподавателе культивирует личность, обладающую своим индивидуальным законом, а, значит, прежде всего, поддерживает в нем искру художника и творца. Почти каждый из них контрастен по отношению к своим коллегам, имеет свой круг интересов, художнических вкусов и свою собственную творческую судьбу. Поэтому в школе подобрался коллектив преподавателей – художников, имеющих свой собственный душевный строй и интеллектуальную силу, творчески работающих и постоянно участвующих в самых различных выставках.
Все это говорит о том, что Стерлитамакская художественная школа консолидирует все возможные силы, направленные на создание творческой личности. Поэтому еще раз хочется повторить, что В. А. Курбатовнеобычайная личность и оригинальный мыслитель для нашего города. Главная его заслуга в том, что он является не только знатоком эстетики многих видов искусств, не только носителем традиций российской культуры, но и духовным продолжателем традиционной культуры российского художественного образования.
Л. В. Ахметова – заведующая Стерлитамкской картинной галереи — филиала ГУК и И БХМ им. М. В. Нестерова и Коллектив.